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18 de marzo, fue la fecha escogida, para realizar la segunda versión de este festival. Luego de su exitoso debut por allá en octubre, el día de ayer la ideología del festival se volvió a dar cita, en el Hotel Paraíso Estudios.
Como siempre, este festival tiene el lema de "Libre Albedrío" tal y como lo replicó el señor Julio Correal.
Para esta ocasión, el cartel del festival, tenía como plato fuerte a los míticos del reggae, los señores de Inner Circle, quiénes acumulan más de 3 décadas de buena música. Entre otros de los artistas, resultó muy particular la inclusión del señor Henry Fiol, quién hace parte de la vieja escuela de la salsa.
La gente caminaba sin preocupaciones por todo el área del festival, algunos conservadores, otro más osados, pero con algo en común, la buena energía era el espíritu del festival, y eso era lo que se respiraba, entre otras cosas.
Las cosas empezaron a calentarse con la presentación de Alerta Kamarada, quiénes este año conmemoran 15 años de vida artística, y que lo celebraron de la mejor forma, mostrando todo su potencial en tarima, interpretando sus éxitos más movidos, entre ellos la inédita canción Kaliente, que puso a saltar a más de uno (Me incluyo).
Posteriormente, llegaría la cuota rockera del festival, confieso que su música no es de mi agrado, pero hicieron un buen y trabajado cover de la canción Pumped Up Kicks de la agrupación que estará en los próximos días en Bogotá, hablo de los jóvenes de Foster The People.
Posteriormente, llegarían las presentaciones de El Reino del Mar, Yo Soy Durán, Henry Fiol, Niña Dioz y L Omy, quiénes con su talento, calentó el ambiente representando con gran energía y convicción su música.
Y llegó el momento más esperado de todos, el momento donde los míticos Inner Circle, darían paso a su excelsa presentación. Y fue así, que entre su avanzada edad empezaron a tocar, ante un público que solo quería seguir bailando y pasarla bien. Y es que más de 30 años de vida musical, resulta difícil que los jóvenes las conozcan con profundidad, así que al principio de las presentaciones, eran más balbuceos llenos de sabor, baile y satisfacción por verlos. Y empezarían los pequeños sueños a consumarse en realidad, cuando tocaron su canción Games People Play, donde la gente cantó alebrestado al unísono, ese potente y refrescante coro. En medio de alcohol, agua, fiesta y alegría, la gente no creía que estaban en tarima los Inner Circle, y no era para menos, es que tanta trayectoria no se puede ignorar.
Luego de ese plato, llegaría uno aún más fuerte, y ese sería con la canción Sweat (A La La Long) donde, al igual que la canción anterior, ese coro se gritó por cualquier lado del festival, tanto así, que me atrevería a decir que muchos de los que entenaron ese delicioso coro habrán quedado afónicos, sin voz pero con una inmensa satisfacción. Para terminar con esa presentación, no se podía quedar atrás la canción más esperada por este cronista, y era Bad Boys. Más aún, cuando al día siguiente era el día del hombre, una razón más para que la canción reclamara un sentido más especial. Y es que el jolgorio no se hizo esperar con tan aclamada canción, tanto así, que la banda le dio una prolongada duración, que bastó para presentar a toda la banda con ese estilo único, gozo y más gozo, un momento lleno de mística y por pasión a la música, así se podría describir el momento que se presenció con ese tema, y es que fueron 3 golpes seguidos, es como si alguien que llegara a Colombia, tuviese la oportunidad de comerc Ajíaco, Bandeja Paisa y Chuleta Valluna en un solo lapso, de verdad, fue increíble, para no olvidar.
Luego de esa soberbia presentación, llego el momento del Sergent García, quién se presentó por primera vez (según afirmó él) con su proyecto Cumbia Muffin All Stars, donde se destacan las presencias de Jacobo Vélez (La Mojarra Eléctrica) y Erika Muñoz (Sidestepper). Presentaron sus temas, con la siempre carisma del artista francés, y con el sabor que esa tremenda alineación podía brindar.
Finalmente, cerraría Kinky, con su coqueta y potente mezcla de funk y rock, para terminar de alebrestar las sensaciones y la energía del público, que perduró ahí, pese a que de último momento llegó la lluvia.
Pero no, Hot en Paraíso no terminaría ahí, la farra playera, terminaría como comenzó, con DJ Sets.
Y en particular resalto este momento, porque apenas me acerqué a dicho lugar, me encontré en los mixers, con la singular, simpática y carismática Natalia París, quién deleitó a la gente, concediéndole fotos, y otros más osados, le pidieron un beso, a una de las divas de nuestro país, y hay que admitirlo, para ser DJ, mezcló bien, entre tanta burla que se consuma alrededor de ella, tiene talento para mezclar buena música, y hacer temblar de buenos ritmos a toda una congregación de gente.
Con estas sensaciones, y este reiterado éxito, ya todos estamos a la expectativa de un Hot en Paraíso 3, para que la buena música, el libre albedrío y la buena energía, se hagan presentes de nuevo allá, en el Hotel Paraíso Estudios.
Mientras Scott Weiland se encontraba en rehabilitación por sus continuos problemas de drogadicción y además, trabajando en el material para su disco solista, los demás integrantes de Stone Temple Pilots, decidieron hacer un proyecto alterno, para no estancar ese talento. Y fue así, que decidieron reunirse con el señor Dave Coutts, más conocido por su participación en la banda Ten Inch Men.
El álbum saldría a la luz, por allá en septiembre de 1997 con el sello discográfico Atlantic Records (La misma de Stone Temple Pilots), y pese a que recibió muy buenas críticas, éstas no se vieron soportadas por los pobres resultados comerciales. Aún así, esas buenas críticas, alcanzaron para girar junto a Foo Fighters y Aerosmith.
La primera canción que se conoció de esta banda, fue Hello Hello, canción que sí tuvo video, y rotó por MTV. Otra canción recordada, es la de Peeling An Orange, de la cuál se encuentran múltiples covers en la red social YouTube.
El sonido del álbum, tiene los aires de ese rock alternativo que se gestó en esa dorada época noventera, y además, se dan tintes de lo que algunos llaman el Post-Grunge. Y sin duda, es otra manera de recordar a los hermanos DeLeo y a Kretz.
Las canciones del disco son:
- Hello Hello
- Ring Twice
- Everybody Loves My Car
- Peeling An Orange
- So Long
- Wash Me Down
- End Of The World
- John
- Behind
- Morning Girl
- Hide
- Fill The Fields
Acá está el arte del disco:
Y acá está la gran canción Peeling An Orange, en una versión más rústica:
5 años tuvieron que pasar, para que Nawal callara su silencio discográfico. Y fue así, como en el 2010 conocimos a Ecco. Después del gran éxito cosechado con El Fuego Y La Palabra, con el cual lograron el N° 1 en Radiónica en el 2005, con la canción que precisamente lleva el mismo nombre del álbum.
El álbum consta de 10 canciones, en las cuáles es posible evidenciar la consolidación de una identidad, y dónde además, se justifica su madurez a través de los diferentes matices que posee el disco.
Y estos matices y texturas, son posibles a las diferentes colaboraciones con las que cuenta este trabajo discográfico.
Una para resaltar, es la colaboración de Ely Guerra, quién canta en la canción Sin Remedio, preciosa canción la cual se promocionó el disco, y así se transformó en el primer sencillo. Rotó bien en Radiónica, tanto así, que en su momento se habilitó la descarga de esta canción desde el portal Web de esta emisora.
Otro sencillo que se desprende de este álbum, es la canción Atrato, en dónde participa Goyo Martínez (Choc Quib Town) y donde se relata una triste historia, que aún es realidad, en la zona pacífica del país.
Uno de los sencillos más experimentales, es El Extranjero, tema en el cual participa Christian De La Espriella (Pornomotora), y donde la atmósfera de la canción, que es un sonido industrial, y que si bien es diferente de manera radical con otros matices de otras pistas, no choca para nada, porque el mensaje de la canción sigue con la filosofía de la reflexión.
En la colaboración con el Sargento García, resulta la canción La Resistencia, tema en cual se hace sentir con líricas, la tensa situación política que atravesaba (Aún atraviesa) el país, en el momento de la composición de ese sencillo.
Ecco es la muestra de la gran madurez de la banda, ya que supieron adaptarse a los diferentes matices que este disco tiene, si bien se aleja en algo a su primer disco, lleno de reggae, dub y demás, no deja de ser una gran alternativa, cuando de Nawal se habla.
Acá está el tracklist del disco:
- Al Acecho
- Ecco
- 21 Pasos
- Como Un Resplandor
- Atrato (Feat. Goyo Martínez)
- Hermano Malcolm
- Sin Remedio (Feat. Ely Guerra)
- El Extranjero (Feat. Christian De La Espriella)
- La Resistencia (Feat. Sargento García)
- Barriodub, Riobadub
Acá está el arte del disco:
Y aquí está la presentación de Nawal junto a el Sargento García, tocando La Resistencia en Rock Al Parque:
La primera vez que escuché el nombre de Cielito Drive, lo hice en la emisora Radiónica, escuchando una estupenda canción llamada Astronauta. Y esta canción, hace parte del primer EP de esta gran agrupación barranquillera, que está apadrinada nada más ni nada menos que por Richard Blair (Sidestepper).
Este Extended Play, posee 6 canciones y un coqueto arte de disco, que fue nominado en la categoría "Mejor Arte En Un Disco" de los Premios Shock 2010. Este EP tiene algo fascinante, y es que tiene diferentes sensaciones musicales, así que no se encasilla y le da versatilidad al disco, eso demuestra el gran talento de esta gran banda barranquillera.
La primera canción de este EP, Astronauta, es una alucinante canción, que se promocionó bastante bien. En Radiónica sonó bastante fuerte, y con una gran aceptación del público (Me incluyo ahí). Además, que para el lanzamiento de su vídeo (Próximo a salir) se hizo una actividad bien interesante. Desde su página oficial, se descargaba el Astronauta, y la idea era colocarlo en un lugar y tomarle una foto, las mejores, harán parte del vídeo.
La segunda canción, Arbolito, tiene una entrada bien rockera, unas guitarras fuertes luego pasa a un riff más cálido. La lírica es bastante sencilla, pero bien pegajosa.
El tercer tema, Zulú, guardando las distancias, me recuerda mucho al tema El Borrego de Café Tacvba. Y el tema habla de un hombre que entrado en un fuerte estado de alcoholismo, no logra recordar nada, ni siquiera su nombre.
El cuarto tema, Sol, es un tema radiante. Es un tema que compara al sol con esa persona que lo hace alucinar a uno, lindo tema, apenas para dedicar y con guitarras bien trabajadas.
Su quinta canción, Esperanza, es un canto en la búsqueda de un lugar donde uno se sienta pleno y querido. Esta canción sí tiene vídeo, y en este, aparece un niño recorriendo varias partes, y qué mejor que un niño para encarnar los deseos de la gente.
Por último, el EP cierra con la canción Buena Fortuna. Es una canción añorando a alguien, pero al mismo tiempo, deseándole lo mejor. Las guitarras acá son cálidas, bien melódicas y de esa misma manera la percusión completa esa armonía.
Esta excelente producción sin duda es un gran abre bocas para lo que es su LP Paisajes, que ya está circulando, y que espero en las próximas semana poder reseñarlo a todos ustedes.
Qué mejor manera de comenzar el año, que poder descargar gratis, legal y con gran calidad este EP. Acá lo pueden hacer http://music.cielitodrive.com/album/viajero-2
Acá el vídeo oficial de la canción Esperanza:
El pasado 9 de febrero, en la ciudad de Bogotá, más exactamente en La Puerta Grande, se presentó el español Pablo Díaz-Reixa, más conocido como El Guincho, a llenar de buenos sonidos tropicales y electrónicos a Bogotá.
El nativo de las Islas Canarias, haría su aparición a eso de las 11:50 PM, ante el júbilo de la gente, comenzó el gran concierto allá en el norte de Bogotá.
El Guincho, ha sido para muchos, después de Manu Chau, el mejor expositor del World Music, y sí que lo ratificó. Con su marimba, y su gran destreza en el mixer, logró poner a bailar a una Bogotá, que no necesita que llegue el viernes para vestirse de rumba.
La imagen, cortesía de Terra.com.co
Los mejores momentos del concierto, sin duda fueron los que brindaron sus dos canciones más conocidas, ellas fueron Palmitos Park y, obviamente la galardonada Bombay, esta última, que estuvo presente en el Top 100 de Radiónica. Además, de la pegajosa y movida canción Novias.
En uno de los pasajes del concierto, Pablo, se tomó la molestia de presentar a toda la banda, con la presentación de la misma, aprovechó para resaltar la energía que tiene el público colombiano, ya que en otras partes, no había sentido esa sensación, que sí logró despertar el público de Colombia. Y eso se corroboró, cuando mencionó que tocará Muerte Midi, ya que él confesó, que en otras partes donde la toca, la gente se lamenta, en cambio, los colombianos nos emocionamos. Y sí, el público colombiano, es exigente, pero se apasiona con la música, que se convirtió en el único lenguaje para unir culturas.
Culminada su presentación, lo único que podía quedar, eran aplausos, y una venia sincera y sentida, para todos los que estábamos aplaudiendo sin dudar, gran concierto, y gran comportamiento de la gente, avalando así, que Bogotá es cultura de culturas.
Acá, la canción Bombay en vivo desde La Puerta Grande:
Estoy seguro de que la mejor música de esta era es producida por los artistas independientes. Esos que tienen oídos pocos amigables a la radio de hoy, una especie de monstruo que reproduce las mismas atrocidades que MTV y que se mueve entre ídolos artificiales e inyectados de dinero y no se preocupa por mostrarnos, por llamarla de alguna manera, la verdadera música humana.
Sucede, sin embargo, cada 10 años más o menos, que una banda que en algún momento fue independiente se convierte de pronto en ídolo de una generación, a fuerza de buena música y no de dinero. Por ellos es que la radio aún no es pura mugre.
Lo que le ocurrió a Los Beatles a principios del 60, a The Cure finalizando los 70, a U2 empezando los 80, a Oasis llegando los 90 y a Coldplay terminando el siglo, parece repetirse ahora con Arcade Fire, unos muchachos canadienses que ya fueron protagonistas en las páginas de esta revista impresa hace algunas ediciones http://www.revistaarcadia.com/musica/articulo/fueg
Recapitulando álbum por álbum y canción por canción, su trabajo no solo es diferente a lo que suena hoy, también tiene una inmensidad de guiños a la buena música de antes y una fuerza única, esa que solo tiene los artistas que realmente disfrutan lo que hacen
Sé que me extendí un poco, pero como había anunciado en mi entrada anterior, tengo un poco de vergüenza de haber llegado tarde a esta banda, que sin duda me ha hechizado… aunque sigo sin saber qué diablos tiene que la hace tan buena. Esta recapitulación solo tiene como objetivo antojar o invitar a los lectores a escuchar, a escuchar mucho y a dejarse hechizar. No se arrepentirán.
Antes que nada, las razones:
Me acerqué a Mylo Xyloto más por curiosidad que por gusto. Fui leal defensor de Coldplay hasta su tercer álbum X&Y (que me gustó aunque no me encantó) y amante de muchas de las melodías en Parachutes, A Rush of Blood to the Head y lanzamientos no oficiales hechos por fans como Castles (una joya por cierto). Cuando llegó Viva la Vida, ya nada me parecía lo mismo.
Coldplay se ha alejado mucho de ese “Franhealisismo” (al menos melódicamente) que Chris Martín defendía con orgullo hace unos cinco años. De su cuarto trabajo se rescatan muy buenas canciones, pero a menudo me tropiezo con su “nuevo sonido”. Intentaré entonces caminar por Mylo Xyloto sin caer.
Al grano
Los primeros cinco minutos de Mylo Xyloto son, sin duda, alegres. No está mal. Es pop. Guitarras que se repiten; bajos nada arriesgados; mucho teclado electrónico; mucho sintetizador; voces dobladas y algo de eco. Me deja un sabor a synth pop ochentero, más la sensación alegrona de algunas de las canciones de The Cure. Los tracks en cuestión: "Mylo Xyloto" (Instrumental) de 40 segundos y "Hurts like heaven", una pista que seguramente será Single, o al menos tiene las características de uno.
Sigue “Paradise” y ya no es Coldplay… o al menos no el que yo recuerdo. Este track suena más a One Republic y a Justin Timberlake. Si querían pop eso es lo que hay. No tiene nada que ver con el rock alternativo, el indie o el “mainstream” indie al que alguna vez pertenecieron, o el pop melódico. Esto es lo que llaman hoy “teen pop”.
La pista cuatro, “Charlie Brown”, podría ser un nuevo himno de la banda; tiene los altos y bajos, los silencios y saturaciones propias de un buen espectáculo en vivo, pero no es descrestante.
“Us against the world” es la única, tras 13 minutos, en cumplir con lo que Martin prometió para Mylo Xyloto –por allá en los días en que andaba de gira con Viva la Vida-, es una canción más acústica, como se supone que debió haber sido todo el álbum. Fuera los sintetizadores, ecos y sobre-producciones. La pista es bella porque explota muy bien la increíble voz de Martin y la hermosa simpleza de la guitarra.
6 y 7… y qué tedio. Es una breve introducción instrumental y el primer sencillo del álbum, la polémica “Every teardrop is a waterfall”, una pista pop perfecta que podría convertirse en éxito de discoteca. Buenos beats de dance y una producción limpia. ¡Me tropecé! No me gusta, no me gusta y no me gusta… pero hay algo en ella, no es el estilo de sonidos que suelo escuchar, pero debo admitir que cumple: es una buena composición.
"Major Minus" empieza con una guitarra acústica y se transforma de repente en saturación de voces; un efecto que parece agradarles mucho por estos días. Es otra buena canción de concierto, de hecho es una de las primeras canciones que conoció el público de este álbum, tocada en ya bastantes recitales de Coldplay inclusive antes del lanzamiento del disco. Pasa sin penas ni glorias. Le sigue, “U.F.O.”, otra balada simple de guitarra más algunas cuerdas. No tan buena como “Us against the world” pero muy disfrutable.
¡Rihanna!.. Así es, la cantante barbadense está presente como invitada en este álbum, en una canción pop sobrecargada de eco "Princess of China". ¿Podrá ser que Chris Martin se arrepienta como George Harrison en su momento con All Things Must Pass? El exceso de eco casi que borra la participación de Rihanna… pero bueno ahí está ella.
11 y 14 ("Up in flames" y "Up with the birds") son reminiscencias de X&Y, aunque escuchándolas una y otra vez se nota una leve influencia del R&B contemporáneo.
12 y 13 son un respiro instrumental ("A hopeful transmission") y una a veces rockera, a veces excesivamente saturada y llena de ecos “Don’t let it break your heart”. A esta altura del álbum el eco ya es demasiado.
Conclusión
Difícil de escuchar completo, al menos de una sola pasada. Tiene algunos momentos de excelente producción, pero en general se borra ante el uso exagerado de ecos y saturación de elementos como las guitarras y la voz de Martín. El mensaje de las canciones sigue siendo rescatable. El trabajo en cada una de las letras es impecable, aunque no parecen tener ganas de ser escuchados, solo oídos.
Coldplay parece firmar con este álbum un nuevo cambio: no es una banda que crece con sus fans. Hace unos cinco o seis años decía Chris Martin en una entrevista con MTV que él sabía que su público era atacado por escucharlos, muchas veces golpeados o tratados de “afeminados”. Ah, pero esos escuchas han crecido y buscan en Coldplay nostalgia e identidad, algo que seguramente no encuentran. La banda parece haberse entregado a hacer música para las nuevas generaciones, algo que no está mal, pero entristece. ¿Serán las ventas? ¿O será realmente un compromiso con los jóvenes? Sus letras los defienden, su sonido no.
Después de que Weiland formara Velvet Revolver y que Eric Kretz se dedicara a asuntos personales, no se sabía qué iba a pasar con los hermanos DeLeo. Así con esto, los hermanos DeLeo, solicitarían ayuda a Richard Patrick (Filter), quién se encontraba trabajando en lo que sería la nueva producción discográfica de Filter. De esa ayuda, fue que los DeLeo y Patrick decidieron crear la banda. Pero aún hacía falta algo, y era el baterista, así los DeLeo se dieron a la tarea de encontrar un baterista, el resultado fue el señor Ray Luzier, así se conformó Army Of Anyone.
Todos ellos, compusieron más de 50 canciones, de las cuáles solo deberían elegir 11 para su LP (Hay dos canciones más para la versión iTunes) y finalmente, a finales del año 2006 el disco llegó a la luz del público. Meses antes, empezó a rotar su primer sencillo; Goodbye, el cuál salió en MySpace por allá en octubre de ese 2006.
Luego comenzaron a sonar en la radio, aunque realizando versiones de sus anteriores proyectos, los más tocados eran "Take A Picture" de Filter e "Interstate Love Song" de Stone Temple Pilots.
Ya con el disco en el mercado, salieron a girar para promocionarlo, pese a las buenas críticas recibidas, éstas no fueron respaldadas por los éxitos comerciales, ya que las taquillas eran pésimas, y solo se lograron vender menos de 100.000 copias. Cuando la banda dio su último concierto en mayo de 2007, Richard Patrick anunció que comenzaría a trabajar en ese entonces, en el cuarto de álbum de Filter, el mismo que iba a hacer antes de hacer esta gran banda.
Posteriormente, Ray Luzier se unió a Korn, para tocar con ellos en una gira que hizo la banda de hardcore, y hoy en día está del todo con la banda de Jonathan Davis. Y como muchos saben, a mediados de 2008, Stone Temple Pilots volvió a reunirse, y así terminó la historia para Army Of Anyone, que para mí, es una de los buenos proyectos que se han hecho en Estados Unidos, pero si no hay éxito comercial, no hay éxito de nada.
El tracklisting del álbum es el siguiente:
- It Doesn't Seem To Matter
- Goodbye
- Generation
- A Better Place
- Non Stop
- Disappear
- Stop, Look & Listen
- Ain't Enough
- Father Figure
- Leave It
- This Wasn't Supposed To Happen
- Good Time To Loosen (Exclusivo iTunes)
- Used To Know Her (Exclusivo iTunes)
Acá está el arte del disco:
Canciones muy pero muy recomendadas son A Better Place (Que para los críticos, es la mejor del disco), Stop, Look & Listen que tiene un vídeo hecho por fans, relacionado con la tensa época, en ese entonces, del gobierno Bush, y, la que más me gusta del álbum, es Leave It, que avala el porqué los DeLeo eligieron a Ray Luzier como baterista de este proyecto.
Y acá, su canción debut, Goodbye:
Hasta el 15 de marzo estarán abiertas las inscripciones para este nuevo ciclo que tiene como prioridad apoyar la creación de jazz colombiano, abriendo también espacios internacionales.
La Alianza Colombo Francesa, el Goethe-Institut Kolumbien y Galería Café Libro convocan a este concurso con el ánimo de apoyar y premiar la creación compositiva, el virtuosismo y la interpretación de los grupos para que aporten a la corriente universal del jazz desde la perspectiva colombiana.
Como incentivo a esta convocatoria Ocho (8) seleccionados se beneficiarán con una presentación pública en concierto en Galería Café Libro. Además, ganarán grabación profesional de una o dos obras por agrupación, de las clasificadas en el concurso de Jazz Metropolitano.
Pueden participar agrupaciones (máximo cinco integrantes), formato mínimo dúo, personas naturales nacionales, extranjeros residentes en Bogotá que acrediten un mínimo de 5 años de residencia en el país y personas jurídicas como agrupaciones legalmente conformadas como uniones temporales o consorcios.
Los requisitos individuales son: Ser mayor de 17 años y menor de 45 años. Esto es válido para solistas y para cada uno de los integrantes del grupo.
Programa: Presentar un repertorio de máximo 60 minutos de duración en concierto, que incluya mínimo tres obras composiciones originales del grupo, para calificar creatividad y composición y dos arreglos de piezas clásicas o Standard, para calificar arreglos, el resto covers que permitan calificar la interpretación y el virtuosismo de la agrupación y sus instrumentistas.
Las presentaciones deben ser de géneros musicales pertenecientes al jazz: No se ofrecerá piano acústico para las presentaciones de los seleccionado.
Para ver la convocatoria completa de click acá
El año 2005, sería importante para la escena del rock colombiano, ya que una banda llamada The Black Cat Bone (TBCB), publicaría un álbum de puro y verdadero Rock & Roll. Ya que diferentes medios, destacaron a este álbum entre las mejores producciones discográficas del año, entre ellos, la Revista Semana, El Tiempo, Rolling Stone y más.
Su primer sencillo "Here Today Gone, Tomorrow" sonó con fuerza en las emisoras locales,y así se empezó a crear el camino exitoso de este disco. Y es que ese sencillo, reclama todo el poder y la fuerza que en algún momento de la historia de la música logró el Rock & Roll y el blues, por cosas así el álbum logró ser recibido de gran manera.
Posteriormente, se promocionarían sencillo como "Shout It Out" y "I Got My Mojo Working", este último cuenta con un simpático vídeo en donde aparece la persona quién financió esta gran producción, y en donde también es posible explorar uno de los matices Country que lleva esta producción.
TBCB además, coloca el trazo de que en Colombia sí se puede hacer Rock & Roll en su más pura expresión, logrando conjugar los elementos de lo clásicon con la actual, un rock sin pretensiones pero sí con muchas pasiones.
La alineación que trabajó en este disco fue:
- Mauricio Leguízamo - Voz, guitarra y armónica
- Carlos Reyes - Bajo
- Julián Bernal - Guitarra
- Gustavo Forero - Batería
Luego de los éxitos cosechados en radio, participarían en las edición de Rock Al Parque 2006, en dónde encumbrarían su nombre como una de las bandas con mayot proyección del rock nacional.
A continuación, el tracklist de este disco:
- Get A Life
- Coming Back Home For Good
- Here Today, Gone Tomorrow
- Heyday
- Redemption
- Sad Song
- I Got My Mojo Working
- Black Cat Bone
- An Instant (Run)
- Shout It Out
- La Villa
- We'll Meet Again
Acá está el arte del disco:
De este gran disco, recomiendo las canciones Get A Life que tiene todo un potencial rocanrolero sacude cabezas, y una guitarra bien trabajada, que explica el por qué Mauricio Leguízamo (Lemo) es considerado el mejor guitarrista de Colombia.
Otro tema especial es La Villa, ya que este tema, es un homenaje a la ciudad de Villa de Leyva.
Sad Song, es tal vez el tema con más atmósfera Blues del disco.
De verdad, este disco es todo un sacudón para el rock nacional, realmente se puede hacer música sin pretensiones.
Acá una versión acústica del segundo sencillo de este álbum, para Radiónica:
Saludos.
Mi Twitter: @MauroGutierrez
El Rock Mestizo, es un género emergente en constante consolidación. Así pues, llega Milmarías con este álbum, como agente importante en este proceso de madurez del género. Pasando por canciones llenas de rock, powerpop y otras con un toque groove, así podríamos definir este álbum de esta banda capitalina.
Su primer sencillo "El Perro Negro" logró colarse a MTV Latinoamérica e incluso a MTV UK, además, la canción en su momento, se prestó para ser descargada por medio del sitio web de Radiónica. Su más reciente sencillo "Un Poquito Animal", se encuentra actualmente en la programación de dicha emisora, canción que también hace pocas semanas se conoció el vídeo, en un evento organizado en la Puerta Grande.
El disco contó con la producción de Alejandro Lozano, quién es actualmente guitarrista de la agrupación caleña Superlitio, y quién apadrinó a estos muchachos, para sacar adelante un gran álbum lleno de diferentes matices.
Del disco, hay tres canciones para destacar, ellas son: El Cuarto Frío, este tema, logra conjugar todos los elementos que caracterizan a Milmarías, además, esa conjugación, lleva a esa heteróclita atmósfera que hace única a esa canción, sería interesante ver, qué vídeo saldría de esta canción.
La otra canción es Vernos, tema con un ritmo más apacible y con un gran letra, de esas canciones llenas de sentimiento, que casi ningún arista deja pasar en una producción discográfica.
Y la última, es la canción Gente Sur Plus, un tema con un contenido altamente urbano, muy bogotano.
Con este disco, Milmarías tuvo el honor de cerrar el Rock Al Parque 2011 en el escenario Lago, después de Los Toreros Muertos, así que imagínense la sensación que dejó esta banda en el jurado. A lo mejor en Milmarías, Bogotá logre encontrar un símil como lo es Superlitio en Cali, solo el tiempo y la dedicación de estos muchachos lo dirá.
Acá está el muy particular arte del disco:
Acá está el tracklist del disco:
- El Perro Negro
- El Cuarto Frío
- No Aprender
- Vernos
- Gente Sur Plus
- Un Poquito Animal
- Luciérnagas Raras
- Cellisca
- Como A Los Ojos
- No Aprender (Remix)
- Un Poquito Animal (De Juepuchas Remix)
Si desea descargar el álbum, puede hacerlo aquí.
Acá un vídeo, para conocer más de este disco de Rock Mestizo:
Con la escena fusión consolidada, los artistas deben sentirse con el derecho de experimentar diferentes matices y texturas, para que la fusión se mantenga fresca y no sea un boom latinoamericano. Así es como llega este álbum de los muchachos de Pulenta, quiénes además del género fusión, tienen una particularidad, mezclar sus temas con reggae, R&B, sonidos afrocolombianos y hasta tango.
Toda esa deliciosa mezcla de géneros, es consecuente a la definición que ellos dan a su música: “PULENTA es un sonido que hace homenaje y agradece la sabiduría musical latinoamericana.” Con esta definición, miremos un poco las canciones del disco.
Volver A Verte, es un tema que tiene ese aire de tango, que la da un toque elegante, coqueto y nostálgico, acorde a las líricas de la canción.
Noche De Fiesta, es un tema que reclama todo el sabor que como latinos nos pertenece. Es tal vez, la canción del disco con más sabor, y hace respetar ese sabor latinoamericano que nos pertenece, y que aún muchos son reacios de aceptar.
Algo Anda Mal, es la canción con un tiempo más pausado, con una fuerte influencia lírica de hip hop y un ambiente alrededor del tango, que crean un ambiente rebelde y nostálgico.
La canción A Evaristo Carriego, es un homenaje al poeta argentino del mismo nombre, quién llegó a caracterizarse por su alto sentido nacionalista en los versos que escribía.
Cómo se ve, Pulenta, es un grupo completo en cuanto a texturas de los ritmos latinos se refiere, pese a que su álbum solo posee 9 tracks.
Acá las canciones del disco:
- Volver A Verte
- Noche De Fiesta
- Don’t Worry
- Algo Anda Mal
- L’Evasión
- Fin De Semana
- Me Pregunto
- A Evaristo Carriego
- Mala Jugada
Acá el arte del disco:
Y acá un vídeo durante su presentación en la más reciente edición del Lollapalooza Chile:
Si desea adquirir este álbum, haga click aquí.
El 2008 se constituyó en un gran año para la música fusión colombiana, ya que varios artistas sacaron discos, que fueron bien recibidos por el público colombiano.
Picotero es un álbum que tiene 16 cortes, donde en cada una de ellos, se puede recrear un baile a diferentes tiempos; unos más rápidos otros más lentos, pero lo importante es el rito de danza que cada melodía, bañada de beats y sintetizadores, genera en los oídos del oyente, y se justifica en la expresión corporal, luego de que la mente procesa esas melodías.
La música del Picotero, podría definirse como electro-cumbé, adjetivo que en su momento también se le dio a Bomba Estéreo, aunque Monareta, es más amigo de los beats, así que la parte electrónica reclama gran importancia en su sonido, esto además, hace que haya una importante ausencia de voces en varias de las canciones del disco, pero eso no le quita méritos ni sabor.
Algunas de las canciones más sonadas de este disco son; Llama, Tropibar y Break Tocaima. La primera tiene un vídeo hecho como a la antigua, y tal vez eso hace que sea muy atractivo.
Así pues, Picotero es un álbum que sirve para un momento fiestero o para un momento de tomar un trago acompañado de melodías deliciosas.
A continuación, las pistas del álbum:
- La Batalla De Boyacá
- El General Midi
- Me Voy Pa’l Mar
- Llama
- Domingo Loving Style
- Girlfriend In Providence
- Todo El Voltaje
- Break Tocaima
- Matanza Funk
- Almamazónica
- Gaitana
- Esmeraldeña
- Raimundo Llévate El Mundo
- Get The Rec
- Hio Chipol Luz Roja
- Tropibar
Acá el arte del disco:
Acá Monareta tocando Tropibar en el Vive Latino 2012:
Acá, más información de Monareta: http://www.nacionalrecords.com/artists/monareta/
Friendly Fires fue el encargado de cerrar el Al Cubo Festival. Los ingleses, llenarían de música, color y buena energía a la capital colombiana, y con su Live Act, logró que todos los asistentes bailaran de principio a fin sus canciones.
Había leído las buenas críticas de sus shows en vivo, ayer logré vivirlo. La gran expresión corporal de Ed Macfarlane, la gran actitud de Edd Gibson y la concentración de Jack Savidge, sumado los artistas que acompañan a la banda, dieron cátedra de cómo se vive un concierto. Aclamados por el público, Ed al terminar una canción replicaba con ahínco: “Thank You Bogotá”
Grandes momentos se vivieron con canciones que conformaron su éxito, como lo son Jump In The Pool, Skeleton Boy, Paris, Live Those Days Tonight y la increíble canción Hurting, destaco éstas, puesto que fue las que la gente en su mayoría logró cantar, porque todo el setlist sí se lo gozaron, salvo la canción Pala, que tiene un ritmo más lento y poco bailable, marcó la pausa a tanto baile.
Cuando los muchachos cerraron con Paris, la gente alborotada, gritó y gritó sin cesar cuando se marchaban. Como siempre, en el Encore el público bogotano sacó su casta de buen gusto, volvió a gritar y de nuevo salieron al escenario. Particularmente Ed, quién salió envuelto con una bandera de Colombia, cosa que terminó de cautivar al público que gritaba más y más, de ahí se desprendió la gran canción Hawaiian Air canción con la que le gente prosiguió a ese rito de la danza contemporánea. Para el cierre, llegaría su canción Kiss Of Life, tema que se encuentra incluído en su primer álbum, en la versión deluxe del mismo.
Así, los señores de Evenpro Colombia junto a Hate-Love Bogotá, lograron consolidar una gran idea musical y audiovisual, además de un gran cartel a un precio justo. Ojalá sigan más prácticas así, para saciar esos vacíos en materia de conciertos que posee Colombia.
El setlist que interpretaron fue el siguiente:
- Lovesick
- Jump In The Pool
- Running Away
- Blue Cassette
- True Love
- On Board
- Chime
- Skeleton Boy
- Show Me Lights
- In The Hospital
- Pala
- Live Those Days Tonight
- Hurting
- Pull Me Back To Earth
- Paris
Encore
- Hawaiian Air
- Kiss Of Life
Acá está su gran canción Hawaiian Air, interpretada en Bogotá esta madrugada:
Además, les comparto algunas fotos del concierto de ayer acá:
http://www.flickr.com/photos/maurogutierrez/sets/7
En la primera fecha de Al Cubo Festival, un Festival de Música y Artes Electrónicas, se daría la presentación de Foster The People. Una banda que en los últimos años, ha dado de que hablar, por su rotundo éxito cosechado con Pumped Up Kicks. Y se hizo bien, al traerlos en su mejor momento y a un precio cómodo, más no traer artistas ya en su momento de culminación, a precios astronómicos.
El día elegido, sería un martes 27 de marzo (Bien raro el día), abrazado por la lluvia capitalina, pero siempre con la calurosa energía del público residente en Bogotá.
Una gran fila para ingresar al Royal Center, era la protagonista, había mucha expectativa con lo que sería el concierto de este trío californiano.
Tuve la posibilidad de ganarme un Meet & Greet (Cortesía de Radiónica), para conocer personalmente a la banda, así que no tuve contratiempos para ingresar al teatro, y posteriormente conocerlos. El Royal Center, estaba con un lleno espectacular, gran ambiente, unos tragos y la buena música, acompañaban a los asistentes, previo a la presentación.
Cuando llegó el momento de conocerlos, pensé que nos darían al menos 10 minutos, pero fue algo fugaz, apenas un tímido saludo, unos autógrafos sobre el cancionero y una foto por cortesía de Evenpro. Hay que decir, que Mark Pontius t Cubbie Fink son altísimos, en contraste con Mark Foster, quién se ve enano al lado de ellos.
Después de ese momento especial, era momento de acomodarse en medio del público, que se desesperaba por ver a la banda, ya que muchos habían llegado horas antes, para obtener un lugar privilegiado para la presentación.
Así, el desespero mostraba su lado más humano, cuando los chiflidos hacían su aparición, y los Foster The People aún no aparecían, los chiflidos cobraron más intensidad, y a las 11:25 PM, los californianos salían a la tarima, para dar inicio a tan anhelado concierto, y con Houdini, se daría inicio a la gran presentación, además, que esa canción es mi favorita, ¿qué más se podía pedir?
Así pues, el concierto transcurrió por los temas del álbum Torches. Entre las cuáles, se destacan las interpretaciones deWaste, Call It What You Want y Don't Stop (Color On The Wall).
Algo curioso respecto a la presentación, es que mucha gente no cantaba, no coreaba y ni siquiera prestaban atención alguna, a las canciones que el grupo interpretó, dando a entender, que solo querían escuchar Pumped Up Kicks.
Y con esa rara sensación, sin que éxitos como Helena Beat y el ya mencionado Pumped Up Kicks, fuera interpretados. Así, salieron ovacionados por el público, pero ese raro sabor había que endulzarlo, así que llegó el momento del Encore. El público clamó con fervor que regresarán al escenario, y sí, de nuevo Bogotá se salió con la suya, y los Foster The People saltaron de nuevo al escenario, esta vez, para interpretar su hit Helena Beat. Canción que el público coreó, cantó, saltó y bailó de principio al fin, más, cuando es una de las canciones con mejor lírica del disco. Júbilo y más júbilo, eso era lo que se respiraba en el Royal Center. Luego, llegaría uno de los momentos más raros y místicos del concierto, Mark se plantó en los teclados a interpretar Ruby, canción inédita, llena de sentimiento por como la interpretaron.
Finalmente, llegaría el ocaso de la presentación, con estas palabras de Mark Foster: "Muchas Gracias Colombia"... Sí, sonaba Pumped Up Kicks, el momento de éxtasis llegó al final, la gente al unísono con la banda, cantando la canción con gran precisión, parecía el público los coristas de la banda, el momento de conexión entre artista - público, se forjo en ese lapso, la boleta que muchos pagaron, se hizo al 100% efectiva con esa canción. Fue tanta la conexión, que en medio de la improvisación, que Mark Foster se despojó de sus implementos de concierto y se acercó al público rodeado de brazos de fans que querían estar lo más cerca posible a él. Terminada la presentación, Foster The People fue exaltado por el público en medio de gritos y aplausos, en un concierto que ellos y nosotros, recordaremos gratamente durante un buen tiempo.
Acá Pumped Up Kicks en vivo, desde Bogotá Colombia:
Sin duda el 2011, fue un año de grandes revelaciones, entre las que se destacan la de Foster The People. Y es que con el rotundo éxito que conjuraron con Pumped Up Kicks, era hora de consolidar el éxito con un disco, y fue así, como salió Torches a la luz de un público expectante.
Y detrás de esa pegajosa canción, que se vuelve un clásico para "Canciones para silbar" se esconde una historia particular, según Mark Foster: “Pumped Up Kicks trata sobre un niño que básicamente esta perdiendo su mente, y esta planeando venganza. Es un marginado. Siento que la cultura se esta volviendo cada vez mas aislada. Es como una epidemia. En lugar de escribir sobre victimas y tragedia, quería meterme en la mente del asesino, como lo hizo Truman Capote en In Cold Blood. Me encanta escribir sobre personajes. Ese es mi estilo. Me encanta meterme en la cabeza de otras personas y caminar en sus zapatos”. Creo que esa descripción tan precisa, muestra el verdadero significado de esa cancion, y no el que tal vez muchos creen.
Otro de los grandes éxitos, sin duda, es el de Helena Beat, una canción que es muy querida por los seguidores, por sus bellas líricas, incluso, en un experimento que realice en mi blog http://maurogutierrez.tumblr.com, compartí cada una de las 10 canciones que componen el disco, donde precisamente ésta, logró 140 reproducciones, frente a las 20 que logró Pumped Up Kicks, sin duda, se marca la preferencia por esa canción, que es con la que abre el disco.
Tengo que decir, que mi favorita es Houdini, por todo la estructura instrumental que se emplea, y que sin duda, estos 3 jóvenes supieron sincronizar de buena manera.
Y además, considerando la juventud de la banda, podría ser Foster The People, una buena agrupación para las nuevas generaciones de oyentes a inmiscuirse en este mundo de la música, que más que un mundo, es un universo sensorial. Y esa juventud, asegura un sonido fresco, capaz de cautivar a las nuevas generaciones, y en muchos casos, ya ha conquistado a las más consumadas generaciones.
El estilo de Torches, se podría definir como un indie-pop, pero también con sus toques de synth-pop, puesto que el sintetizador es bastante utilizado a través de las canciones del álbum. A la final, podríamos decir que el Torches muestra un matiz más, del ya nutrido Indie Rock, y por qué no, del Rock Alternativo, que ha perdido su identidad a través de estos éxitos mediáticos.
Acá está el track-listing del disco:
- Helena Beat
- Pumped Up Kicks
- Call It What You Want
- Don't Stop (Color On The Walls)
- Waste
- I Would Do Anything For You
- Houdini
- Life On The Nickel
- Miss You
- Warrant
- Love (Exclusivo iTunes)
- Chin Music For The Unsuspecting Hero (Exclusivo iTunes)
- Broken Jaw (Exclusivo iTunes)
Acá está el arte del disco:
Pumped Up Kicks
Helena Beat
Call It What You Want
Don't Stop (Color On The Walls)
Acá podrán encontrar algunas curiosidades sonoras de esta banda:
http://soundcloud.com/fosterthepeoplemusic
Audiovent es una banda nativa de Calabasas, California. Se formó por allá a mediados de los 90's, bajo el nombre de Vent, pero en el 2001, decidieron cambiarse a Audiovent, y fue así, que ese año firmaron con Atlantic Records, y sacarían a la luz Dirty Sexy Knights In Paris en el año 2002. Para ese disco, estarían:
- Jason Boyd - Vocalista (Hermano menor de Brandon Boyd, vocalista de Incubus)
- Benjamin Einziger - Guitarrista (Hermano menor de Mike Einziger, guitarrista de Incubus)
- Paul Fried - Bajo
- Jamin Wilcox - Batería
Su primer sencillo fue The Energy, canción con la que lograron gran aceptación en la radio estadounidense y posteriormente promocionaron su otro sencillo Looking Down. Luego de cosechar esos éxitos radiales, girarían con Saliva y con la banda canadiense Theory Of A Deadman.
Para el 2003, Wilcox dejaría la banda, ya que no estaba de acuerdo con algunas de las creaciones de los otros miembros, fue así, como llegaría a la banda Ryland Steen. Con él tocaron en varios clubes de California, promocionando nuevo material que era muy diferente a su álbum debut. Así, consumadas las pobres ventas del álbum y las diferencias a la hora de la composición de canciones, cada quién tomó su rumbo en el 2004, y así se terminaría la historia de Audiovent.
Para muchos, su estilo tiene un toque de Led Zeppelin. Sus fuertes guitarras en canciones como The Energy y Looking Down. Existen otras canciones como Rain, que tiene un sonido hipnótico, que con esas melodías crean atmósferas únicas. Pegajosas y poderosas canciones como Stalker (Recomendadísima). Cálidas baladas como lo son Sweet Frustration y When I Drown.
A continuación, les dejo el tracklist del disco:
- The Energy
- Looking Down
- I Can't Breathe
- Rain
- One Small Choice
- Sweet Frustration
- Stalker
- Gravity
- Underwater Silence
- Back And Forth
- Beautiful Addiction
- When I Drown
Acá está la carátula del disco:
Acá, una versión en acústico de su más promocionado sencillo, The Energy:
Acá están algunos links, donde pueden conocer más de ellos:
http://www.myspace.com/audioventband
https://www.facebook.com/pages/Audiovent/244636618
Mi twitter: @MauroGutierrez
